Японская художница рисует персонажей мультфильмов и аниме на латте

Искусство Анимации. Как создают Аниме

Японская художница рисует персонажей мультфильмов и аниме на латте

Сегодня, наверное, нет человека, который бы не слышал о таком виде анимационного искусства, как аниме. Японская анимация имеет достаточно долгую историю и традицию, в прочем как и вся культура Японии.

В обществе укоренилось двоякое отношение к аниме, кто-то является поклонником данного вида анимации, а кто-то не воспринимает его серьезно. Однако аниме имеет место быть. Возможно данная статья изменит ваше отношение к «японским мультикам».

И так,  как же создают аниме ?

Как и все произведения искусства, Аниме начинается с идеи. Есть несколько способов поиска идей: бреймсторм, где из кучи мыслей выбирается одна лучшая, второй вариант – решает руководство (этот вариант в последние годы наиболее распространенный).

После того, как идея найдена, собирается команда, которая будет реализовывать задуманное. И под запросы ищутся спонсоры. Не смотря на простоту, аниме очень дорогая вещь. Показ 52 серий не в самое лучшее время на 5-7 каналах ~ 50 миллионов йен (50 тысяч долларов), а если показ Fullmetal Alchemist в прайм тайм, цена в 10 раз дороже.

Следующие этапы не всегда имеют место быть, если аниме рисуется по комиксу-манге. Таких аниме большее количество, потому что по манге можно понять насколько популярен будет аниме, да и просто сэкономить немного денег. Бывает и наоборот, манга рисуется с аниме, например FLCL.

Дальше идет разработка идеи. Кто? Что? Как и зачем?. Придумываются образы персонажей, основные сюжетные линии, первые наброски. Далее вступают в игру сценаристы и художники. Пишется подробный сценарий, рисуются персонажи, локации, фоны, и раскадровка.

Все рисуется по старинке – карандашом на бумаге. Делается подборка персонажей в различных одеждах, ракурсах, настроениях и с различными предметами.

Переводят наброски в электронный вид двумя способами: скетчи покрываются тушью или жестким карандашом, чтобы придать изображению больший контраст, затем это все сканируется:

Когда персонажи готовы, пишется режиссерский сценарий, с раскадровкой и комментариями.

Параллельно художники рисуют натуру (фон). Чаще всего экстерьер рисуется не с нуля, а с натуры или фотографий. Поэтому в аниме можно увидеть много реальных мест.

Далее идет самая трудная и большая работа – анимация, компоновка и раскраска. Тут в работе помогает компьютер. Для телевидения обычно требуется 12 кадров в секунду (12 рисунков), иногда 8, а иногда 24.

Делается это все в ручную, отрисовываются кадры на бумаге, затем переводится в цифровой вид. Это очень долгий и сложный процесс. Для 10 минутного аниме с частотой 12 кадров – это 14 400 кадров или рисунков.

После этого за работу садятся аниматоры, которые занимаются сглаживанием анимации, чтобы все выглядело одинаково ровно, без рывков. Далее идет раскраска анимации. Далее за работу берутся художники по спец эффектам, которые добавляют различные эффекты искр, дыма, бульбашек, летающих звездочек и тд. Далее добавляется отрисованый фон и у нас почти готовая сцена аниме.

Весь процесс контролирует режиссер, который проверяет каждый кадр и вносит правки. Иногда режиссер, может сам перерисовывать сцены, которые ему не нравятся самостоятельно. Потому что обычно режиссеры – это аниматоры с огромным опытом работы.

Сейчас, работу аниматорам облегчила 3д графика. Для примера, ее активно использует Макото Синкай. Но тем не менее, основная работа проводиться вручную.

Источник: http://say-hi.me/vdohnovenie/iskusstvo-animacii-kak-sozdayut-anime.html

JAPAN.KG — Персонажи Диснея в стиле аниме

Ариэль и Флаундер из мультфильма *Русалочка*

Японская художница Chaico, большая поклонница мультфильмов студии Дисней, решила представить, как бы могли выглядеть любимые персонажи будучи героями аниме.

Художница живет в Токио, изучает рисунок и живопись, а на досуге смотрит мультфильмы о русалочке Ариэль и ее рыбке Флаундере, о Гуффи и его команде, о Микки Маусе, Дональде Даке и его друзьях, об отважных спасателях Чипе с Дэйлом и веселой троице Симбе, Пумбе и Тимоне… Перечислять полюбившихся героев можно бесконечно, и потому Chaico задумала увековечить их в своих рисунках. Но во-первых, превратив диснеевских зверушек в людей, а во-вторых, представив их персонажами такого родного для японцев аниме. 

Отважные *Спасатели* Чип и Дэйл

Котята Мари, Тулуз и Берлиоз. *Коты аристократы*

Обезьянка Абу и Дональд Дак

Chaico сама рисует аниме и мангу, да и с воображением у нее все в порядке, так что проект «Дисней в стиле аниме» ей удался на отлично. Конечно, кто-то может поспорить, что получилось похоже, но речь идет не столько о портретной схожести персонажей, сколько об общем впечатлении от созерцания рисунков, о передаче настроения, выражения лиц, мимике и мельчайших деталях, присущих каждому диснеевскому герою. Так, характерные позы, жесты и улыбки, элементы одежды и аксессуары не дают усомниться в том, что художница «зрит в корень» и действительно очеловечивает мультяшных персонажей. 

*Акуна матата*. Друзья Симба, Пумба и Тимон

Гуффи и его сын Макс

Сосед Гуффи, толстяк Пит

На своей творческой странице в соцсетях девушка поздравляет героев Диснея с юбилеями, посвящая им новые и новые арты, с каждым разом совершенствуя и улучшая их образы. Некоторые рисунки, изначально будучи нарисованными ручкой или карандашом, со временем становятся цветными и «переезжают» в компьютер уже в цифровом формате. Впрочем, работы молодой художницы все равно остаются талантливыми независимо от того, сколько цветов она задействовала для их создания. 

Дэйзи и Дональд Дак

Минни и Микки Маус

Билли, Вилли и Дилли, племянники Скруджа МакДака

Мультфильмы студии Диснея любят и дети, и взрослые, так что подобных проектов, связанных с персонажами студии, создано немало. Вспомнить хотя бы арт-проект «Диснеевские персонажи в апокалиптическом мире» или же юмористический Instagram принцесс Уолта Диснея, чтобы еще раз в этом убедиться. Так что улыбайтесь чаще, и смотрите добрые мультфильмы! 

Источник: http://japan.kg/read_blog.php?id=488

Художница рисует реалистичные портреты героинь популярных мультфильмов

Как выглядели бы героини популярных мультфильмов, если бы про них снимали кино? Художница из Испании изображает персонажей мультсериалов повзрослевшими, получившими боевые шрамы и набившими татуировки — такими, какими они могли бы выглядеть в рок-мюзикле или голливудском боевике.

1

Девятнадцатилетняя Татьяна Луна из Испании — художница-самоучка. В своём инстаграме и на сайте девушка публикует реалистичные портреты повзрослевших женских персонажей из популярных мульт- и аниме-вселенных. Таких, как Фиалка из «Суперсемейки».

“Когда я была ребёнком, я часто рисовала диснеевских принцесс и кукол Bratz. В детстве на меня повлияли фильмы студии Ghibli и игры из серии Kingdom Hearts, и мой стиль рисования напоминал стиль, которым рисуют мангу.

Но я всегда стремилась усовершенствовать свои навыки и научиться рисовать в реалистичном стиле.”

2

Как рассказывает Татьяна, серьёзно занялась рисованием она только летом 2017 года. Своей первой настоящей цифровой иллюстрацией девушка считает «Хардкорную Русалочку».

3

С тех пор Татьяна рисует для себя и под заказ почти каждый день, а красочные портреты уже получили десятки персонажей. Например, Усаги Цукино из «Сейлор Мун». Судя по надписи на экране монитора, Усаги — большая поклонница сериальчиков.

4

Ещё одна девушка с кошкой: на этот раз Сабрина Спелмен из «Сабрины — маленькой ведьмы». На пару с вечно саркастичным говорящим котом Сэйлемом.

5

Ким из «Ким пять-с-плюсом». Видно, что художница приложила определённые усилия, чтобы сохранить форму груди Ким из мультфильма.

6

Но чуть ли не больше самой Ким впечатляет Шиго — одна из главных злодеек мультсериала.

7

Сильно повзрослевшая малышка Бу из «Корпорации монстров». Шею Бу и многих других персонажей Татьяны украшает чокер — не перепутайте с удавкой

8

Иногда Татьяна обращается к персонажам из видеоигр. Вот так в её видении выглядит Маленькая Сестричка из BioShock.

9

Есть в репертуаре художницы и персонажи мужского пола. Например, Ледяной Джек из «Хранителей снов».

10

Осовремененная версия принцессы Авроры из «Спящей красавицы». На майке главной героини читается надпись «Не целуй меня спящей, [хренов] некрофил»

11

Белоснежка. Конечно, из классической диснеевской «Белоснежки и семи гномов», и тоже с кричащей надписью на майке.

12

Завершает тройку диснеевских принцесс Эльза из «Холодного сердца».

На своём сайте Татьяна рассказывает, что использует для создания изображений приложения Paint Tool Sai и Photoshop CS6 и что впервые попробовала свои силы в цифровой иллюстрации в июне 2016 года.

13

Цветик (Блоссом), лидер крутых девчонок с суперспособностями из «Суперкрошек» .

14

А также её партнёрши по команде: гиперактивная Пестик (Баттеркап) и наивно-воздушная Пузырёк (Бабблс).

15

16

А в следующем рисунке многие наверняка узнают популярное в интернете изображение девушки и её пса с разноцветными глазами.

17

А вот так выглядит сама Татьяна. В жизни…

18

… и на бумаге.

Источник: http://zefirka.net/2018/02/23/xudozhnica-risuet-realistichnye-portrety-geroin-populyarnyx-multfilmov/

Феномен аниме: странные японские мультики или отдельная культура?

Если спросить среднестатистического человека зрелого возраста, что такое аниме, он наверняка ответит, что это японские мультики со странными персонажами, которые больше смахивают на инопланетян, чем на людей.

Читайте также:  Как посолить сало в рассоле – вкусное сало в рассоле. рецепты засолки сала

Нельзя сказать, что такое мнение совершенно неправильное – неестественно большие глаза, а также рот и нос в виде фактически двух чёрточек, действительно делают «анимешных» героев похожими на традиционный образ космических пришельцев.

А вот то, что аниме – это просто детские мультики из «Страна восходящего солнца», не совсем верно.

Что же такое аниме?

Слово «аниме» действительно происходит от английского animation. В Японии оно обозначает любую анимацию независимо от страны происхождения. Но когда мультипликация, снятая японцами, идёт на экспорт, она автоматически превращается для всего мира в аниме с характерными для этого жанра особенностями:

  • широчайшим разнообразием сюжетов и форматов – японская анимация выпускает продукт для всех категорий населения: для самых маленьких снимается кодомо, для юношей – сериалы сёнен, ярчайшим примером которых может стать аниме «Наруто», для девушек-подростков предназначается сёдзё. Также есть категория 18+, именуемая «хентай»;
  • общими стилистическими деталями – неизменной стройностью и даже гипертрофированной эстетичностью персонажей, а также чертами лица, перенятыми в первой половине ХХ века у диснеевских мультипликаторов – именно у них японские художники позаимствовали огромные, максимально выразительные глаза;
  • рисунок в японской анимации отличается невысокой реалистичностью, движение изображается не слишком детально, а основное выражение персонажами эмоций происходит при помощи глаз и определённого набора устоявшихся шаблонов;
  • созданию аниме предшествует манга – японский аналог комиксов, который фактически является готовым мультфильмом в картинках. Именно манга была первоисточником формирования культуры аниме. Существуют мнения, что первые прототипы японских комиксов появились ещё несколько веков назад. В Японии они считаются не просто рисованными историями для детей, а полноценным видом изобразительного искусства, очень уважаемым в обществе.

Откуда эта странная любовь?

Японская цивилизация была изолирована от влияний западного мира вплоть до середины ХІХ века, что напрямую повлияло на шкалу ценностей у этого народа.

Она всерьез отличается от привычной нам, что делает аниме таким специфичным для западного взора.

Свойственное японцам более спокойное отношение к насилию и эротике, по сравнению с привычными позициями христианского общества, хорошо заметно в аниме, которое часто снимается именно для взрослой аудитории.

Кроме того, полнометражное аниме часто именуется рисованными фильмами с полноценной линией сюжета, в котором могут затрагиваться очень серьёзные моральные и этические проблемы. Это делает его таким популярным среди молодого поколения интеллектуалов, а также даёт ему возможность конкурировать с шедеврами западной кинематографии.

Другая причина почти феноменальной популярности аниме – это его полноценность как отдельного культурного явления.

Помимо мультипликационных сериалов, «полнометражек» и комиксов-манга, огромной востребованностью пользуются различные аниме игры, творчество фанатов, товары с использованием образов из японской анимации и т.д.

Различные сериалы и полнометражные мультфильмы в этом стиле достигли такой известности на мировом уровне, что среди подросткового и даже молодёжного поколения смотреть их стало попросту модно.

Поклонники японской анимации и связанных с ней произведений постепенно создали целое субкультурное движение, именуемое косплеем. Слово это расшифровывается как costume play, что в переводе с английского означает «костюмированная игра».

Главное хобби представителей этой субкультуры – переодевание в любимого персонажа, а вернее, полное в него перевоплощение.

На героя необходимо быть похожим не только внешне, копировать его речь и привычки, подбирать костюм, макияж и парик с полной идентичностью, но и походить на него в душе – по крайней мере, так утверждают истинные поклонники «косплея».

Увлечение японской анимационной культурой на отечественных территориях с каждым годом только усиливается, хотя его масштабы не сравнимы с культом аниме у него на родине.

В Японии есть даже специализированные торговые точки и целые рынки, где продаётся реквизит для косплея, а также различные тематические товары.

Возможно, кто-то назовёт это настоящим помешательством и глупым бегством от реальности в мультфильмы, однако на деле оказывается, что увлечение аниме – одно из самых безобидных и красивых хобби, предлагаемых современной культурой.

Источник: http://u-f.ru/Article/u1/2014/04/08/674009

15 лучших японских мультфильмов

В прошлом, 2013 году исполнилось 50 лет с тех пор, как японская анимация («аниме») после выхода суперхита «Могучий Атом» (он же «Астробой») переориентировалась с кино на телевидение и превратилась в мир рассказчиков-стайеров, а не спринтеров.

Телесериалы и сейчас остаются хребтом аниме, и львиная доля успешных японских киномультфильмов – это дополнения к популярным ТВ-шоу. Однако в Японии всегда были режиссеры, не соблюдающие традицию и выпускающие роскошные полнометражные аниме без телевизионных напарников.

Что это за ленты? Мы отобрали пятнадцать лучших, на наш взгляд, «сольных» японских полнометражных мультфильмов.

Откровенно говоря, один из самых известных на Западе японских мультфильмов, вероятно, выиграл бы, если бы создатель «Акиры» Кацухиро Отомо не пытался запихнуть свой увесистый одноименный комикс в двухчасовое повествование, а нарисовал бы сериал эпизодов на 13.

Из-за многогранности и стремительности его сюжета «Акира» требует либо нескольких внимательных просмотров, либо комментариев эксперта, чтобы зрители могли разобраться, что, собственно, на экране творится.

Но даже с этим существенным недостатком «Акира» – это потрясающая воображение и замечательно нарисованная и «оживленная» фантастическая эпопея на стыке антиутопии, киберпанка, парапсихологии и фильмов-катастроф.

Именно с этой ленты началось активное продвижение аниме на международный рынок. В Голливуде, кстати, уже более десяти лет пытаются снять ремейк «Акиры». Но пока безрезультатно.

Как и в Америке, в Японии регулярно снимаются и рисуются ремейки, но лишь считаные произведения могут похвастаться тем, что к ним возвращаются снова и снова. Одно из них – фантастический роман Ясутаки Цуцуя «Девочка, покорившая время».

Эта книга, изданная в 1967 году, уже экранизирована восемь раз (!), и одной из ее лучших экранных версий считается полнометражное аниме режиссера Мамору Хосоды.

Речь в его увлекательном и романтичном фильме идет о девочке-старшекласснице, которая внезапно обретает способность перемещаться во времени на небольшие «расстояния». Сперва Макото растрачивает этот талант по мелочам, чтобы никогда не опаздывать и всегда получать «пятерки».

Однако затем героиня узнает, что количество ее прыжков ограничено, и она задумывается о том, как с толком использовать несколько оставшихся у нее «зарядов»…

Настоящий актер живет двумя жизнями – на подмостках и за кулисами. Именно этому посвящена необычная, изобретательная драма Сатоси Кона, вдохновленная биографиями двух японских кинозвезд.

Когда главная героиня фильма, знаменитая в прошлом актриса, после тридцатилетнего молчания соглашается дать подробное интервью, каждый эпизод ее жизни превращается в сцену из фильма популярного в соответствующую эпоху жанра – будь то самурайский боевик, научная фантастика или социальный реализм.

Таким образом, лента одновременно оказывается трогательной частной драмой и размашистой энциклопедией японского кино, и обе жизни героини сплетаются в изящный постмодернистский клубок.

Молодая студентка влюбляется в мужественного парня, который оказывается оборотнем. Знакомый сюжет? Ничего подобного. Потому что мистическая драма Мамору Хосоды – история не о межрасовом романе вроде «Сумерек», а о его последствиях.

Вскоре после рождения у героев двоих детей вервольф погибает на охоте, и главная героиня Хана в одиночку растит малышей, которые со временем встают перед выбором – жить преимущественно как волки или в основном как люди.

Слегка напоминая «В поисках Немо», лента Хосоды делит экранное время между переживаниями матери и детей и исследует схожие психологические проблемы на совершенно ином, менее приключенческом и юмористическом и более сентиментальном и душевном сюжетном материале.

Помните не слишком успешный диснеевский мультфильм «Атлантида: Затерянный мир», который пострадал из-за того, что вышел, когда зрители начали терять интерес к рисованной анимации и переключаться на компьютерные мультфильмы? У этой примечательной ленты был японский источник вдохновения – популярнейшая приключенческая картина Хаяо Миядзаки. Она, в свою очередь, начинается почти как «Звездные войны»: мальчик-подросток находит упавшую с неба загадочную девочку, которая оказывается наследницей королевской семьи летающего острова Лапута, давно покинутого обитателями и хранящего тайны могущественной цивилизации. Увлекательнейшая и чарующая детская сага о воздушных пиратах, таинственных руинах и пересечениях магии и технологии, «Лапута» давно и с успехом используется японскими дипломатами как первая доза аниме-наркотика, после которой трудно не вернуться за добавкой.

У фильмов-антологий, составленных из нескольких короткометражных зарисовок, обычно низкий КПД – один-два удачных фрагмента и «заполнители», которые можно и нужно пропустить. «Воспоминания о будущем» Кацухиро Отомо – исключение из правила.

Эта двухчасовая картина состоит из трех отличных историй в разных жанрах и стилях, и очень трудно сказать, какая из них лучше. Наверно, это дело вкуса.

Кто-то предпочитает открывающий ленту киберпанковский хоррор об исследовании заброшенного космического лайнера, кому-то больше по душе уморительно мрачная антивоенная сатира о простодушном парне, который становится носителем смертельного вируса… Мы же с удовольствием пересматриваем заключительный антиутопический фрагмент о тоталитарной стране, где вся жизнь вращается вокруг стрельбы из гигантской пушки по давно не существующему врагу.

Читайте также:  Тефтели с рисом в духовке – пошаговый рецепт с фото. вторые блюда. вкусные рецепты с фото. блюда из мяса

Неправильно переведенное, но, к сожалению, прижившееся название (никакого манускрипта в фильме нет, соответствующее японское слово означает «повесть») – единственный недостаток этого безупречного мистико-исторического боевика Ёсиаки Кавадзири, в котором одинокий самурай и девушка-ниндзя сражаются с «Восемью демонами», могучими воинами с нечеловеческими способностями.

Из-за разнообразия злодейских талантов ни одна битва фильма не похожа на другую, что, согласитесь, редкость даже для изобретательных боевиков. При этом «Манускрипт» не исчерпывается эффектными баталиями.

Это и впечатляющее изображение средневековой Японии, разрушенной многолетними феодальными распрями, и история обреченной любви, и повесть о мести, которую лучше подавать холодной.

«Манускрипт ниндзя» был бы лучшей работой Кавадзири как режиссера и сценариста, если бы семь лет спустя постановщик не создал потрясающе стильную, жестокую, кровавую и увлекательнейшую экранизацию одного из романов Хидеюки Кикути о далеком будущем, в котором люди отвоевывают землю у бессмертных вампиров и прочих кошмарных монстров.

На острие атаки при этом оказывается Д – получеловек-полувампир, одержимый ненавистью к кровожадной родне и вызволяющий людей из ее плена. При желании вы можете провести параллели с «Блейдом», но сравнивать их просто смешно.

Рядом с «Жаждой крови» «Блейд» – это как «Сумерки» рядом с «Блейдом», и каждый кадр мультфильма Кавадзири на два-три порядка эффектнее самых сильных кадров западного вампирского боевика.

В то время как обычно в космической фантастике герои с легкостью прыгают от звезды к звезде, «Крылья Хоннеамиз» Хироюки Ямады рассказывают о первом полете в космос в вымышленной стране на вымышленной планете.

Сюжет «Крыльев» вдохновлен историями американской и советской космических программ, но это оригинальное и неожиданно глубокое полотно, пропитанное тем энтузиазмом, который двигал настоящими космопроходцами.

Ничего удивительного – картина была первой профессиональной работой прежде любительской студии Gainax, и молодые создатели «Крыльев» из кожи вон вылезли, чтобы доказать, что могут играть в «большой лиге» и рисовать тщательно продуманные и великолепно анимированные фильмы, которыми бы гордилась любая студия со стажем.

Восхищайтесь «Матрицей», наслаждайтесь «Джонни-мнемоником», возводите на пьедестал «Эксперименты Лэйн» и другие известные и не слишком известные киберпанк-полотна. Но вы не сможете отрицать, что лучшая киберпанк-картина всех времен – аниме-фильм Мамору Осии.

В котором захватывающий криминальный сюжет и драйвовые боевые сцены переплетены с философскими рассуждениями о природе человеческой души и искусственного интеллекта.

Сиквел «Призрака», вышедший в 2004 году, был еще более тонким и глубоким (попробуйте в нем разобраться без профессиональных комментариев!), но в первом «Призраке» Осии нащупал идеальное сочетание экшена, триллера и философии. А какая в фильме картинка! Какая музыка! И какая яркая главная героиня – женщина-киборг Мотоко Кусанаги!

Чтобы увлечь публику, мультфильму обычно нужен конфликт, противостояние, борьба добра со злом (или, как сейчас модно, серого с серым). Обычно, но не всегда. Знаменитый мультфильм Хаяо Миядзаки, например, обходится без конфликта и завоевывает детей и взрослых одним лишь ощущением подлинного волшебства.

Которое рождается, когда две маленькие героини ленты, переехавшие с родителями из города в деревню, натыкаются на причудливых и обаятельных лесных духов, которых они называют «тоторо» (так маленькие японцы выговаривают английское слово «тролль»).

Благодаря гению Миядзаки и его аниматоров Тоторо ныне занимает такое же место в японской культуре, как Винни-Пух в культуре Британии, а Микки-Маус – в культуре США.

Когда в мультфильмах очаровательные пушистые существа объявляют кому-нибудь войну, они обычно одерживают победу. Обычно, но не всегда. «Пом Поко» Исао Такахаты – это трогательная история попыток енотовидных собак (в японской мифологии они считаются разумными, но не слишком умными существами с даром перевоплощения) отвоевать пригород Токио, выделенный для городской застройки.

В конце концов они терпят поражение, но по крайней мере в финале герои могут сказать, что сделали все возможное и невозможное для сохранения своих любимых холмов. Рисуя эту печальную, но порой уморительную и непредсказуемую политическую сатиру с экологическим «месседжем», Такахата вдохновлялся собственной обреченной борьбой как лидера профсоюза молодых аниматоров в 1960-х.

«Оскар» за лучший полнометражный мультфильм, полученный этой картиной Хаяо Миядзаки, и ее колоссальные прокатные сборы (фильм собрал 330 миллионов долларов, обойдясь почти без помощи американских кинотеатров) обычно убеждают критиков считать «Унесенных» лучшим аниме в истории Японии. Мы ставим картину «лишь» на третье место.

Но это не значит, что мы не уважаем ее потрясающую графику и завораживающий сюжет о девочке-подростке, которая по стечению обстоятельств оказывается в услужении у могущественной колдуньи из мира духов. «Унесенные» – это, бесспорно, блистательное полотно, каждый кадр которого хочется вырезать и повесить на стену как картину.

Однако мы находим этот фильм не столь драматичным, как две картины, обошедшие ее в нашем хит-параде.

Вы знаете фильмы, от одной мысли о которых у вас наворачиваются слезы? Если нет, посмотрите «Могилу светлячков», и вы узнаете одну из таких лент. Это поразительнейшая реалистичная драма о послевоенной Японии и о двух детях, старшем мальчике и младшей девочке, которые остаются сиротами после американской ковровой бомбардировки города Кобе.

В 1988 году лента провалилась в прокате, поскольку казалась зрителям слишком мрачной и тяжелой. Но со временем стало ясно, что «Могила» – картина, которую нужно увидеть, чтобы понять послевоенную Японию и поколение режиссера Исао Такахаты, ровесника его персонажей. И, кстати, несмотря на ее сюжетную мрачность, лента упоительно красива.

Хотя и не столь эффектна, как, например, «Унесенные призраками».

Если вы хотите в своей жизни посмотреть лишь один японский фильм, посмотрите «Принцессу мононоке» Хаяо Миядзаки (а затем найдите время для «Семи самураев»).

Она многое расскажет вам о японской национальной религии синто, о японской философии жизни, о японском Средневековье, о японском преклонении перед волками (к несчастью, вымершими в начале XX века и оставшимися лишь в музеях и в легендах)… Она предложит вам захватывающую эпопею о противостоянии людей и лесных духов, она откажется изобразить одну из сторон безусловно правой, она познакомит вас с харизматичнейшими персонажами, как людьми, так и животными… И она потрясет вас безупречной графикой и анимацией. Не все согласны с тем, что это лучшее аниме и лучший фильм Миядзаки, но у нас сомнений нет. Величайший японский режиссер в 1997 году создал свой главный шедевр.

Источник: https://www.film.ru/articles/yaponiya-v-kartinkah?page=show

Как рисуют Аниме или как оно создается

Начинается все с идеи. Бывает, что устраивается мозговой штурм, где из целой кучи выбирают только одну, но зато лучшую. Бывает, решает все руководство. Но так или иначе, это самый первый и самый скучный этап. После выбора идеи решается состав команды, которая будет заниматься ее реализацией, ищутся спонсоры.

Аниме на самом деле довольно дорогая вещь — стоимость показа 52 серий поздней ночью на 5-7 каналах телевидения приближается к 50 миллионам йен (около 21 миллионов рублей), а показ аниме Fullmetal Alchemist в 6 часов вечера стоил в 10 раз дороже!

Следующие пара этапов необязательны в том случае, если аниме будет рисоваться по комиксу-манге. Таких аниме в общем-то большинство, и это вполне оправданно. По тому, была успешна манга или нет, можно заранее узнать, будет ли успешно аниме, да и просто сэкономить какую-то копейку. Справдливости ради стоит отметить, что и бывает и наоборот — манга рисуется по аниме. Например, так было с FLCL.

Второй этап — это придумывание общего концепта — кто, как, чего и зачем. Придумываются персонажи, основная сюжетная линия, делаются какие-то первые наброски. Как только это все будет готово, начинают свою работу сценаристы и художники. Пишется подробный сценарий, рисуются персонажи и фоны, а затем делается примерная раскадровка.

Рисуется все обычно по-старинке, карандашом на бумаге. Персонажи рисуются в разных ракурсах и настроениях, в разной одежде и с разными предметами.

Перевод этих скетчей в цифровой вид может делаться двумя способами. Или карандашные наброски покрываются тушью или жестким карандашом для большей контрастности, а затем сканируются:

Или сначала сканируются, а потом уже на планшете добавляют контраста. Получается в общем-то одно и то же.

После того, как персонажи готовы, рисуются наброски всей сюжетной линии. Делается это тоже карандашом на бумаге, с комментариями, интервалом в секунду.

Отдельно от всего этого рисуется фон. При этом довольно часто бывает, что рисуется он не с нуля, а с каких-нибудь фотографий. Поэтому не удивляйтесь, если во время прогулки по Японии увидите знакомые места.

Впрочем, фон могут рисовать уже позднее, в процессе, особенно если он отдаленный и на нем не нужно прорисовывать детально тени от анимации.

Наконец-то переходим к следующей части, наконец-то связанной с компьютером. Тут как раз начинается самая большая и трудная работа — анимация, раскраска и компоновка. Сначала художники рисуют несколько кадров анимации персонажей, между уже готовыми набросками кадров сюжетной линии.

Для телевизионных аниме рисуется обычно 12 кадров в секунду, но иногда бывает 24 или 8. Делается это точно так же, как и до этого — контуры выводятся на бумаге и переводятся в цифровой вид.

Читайте также:  Бобовые – полезные бобовые. польза и вред. фасоль. соя. горох

Это действительно адский труд — представьте, сколько надо нарисовать для 25-минутной серии!

Затем уже другие люди (хотя может, и те же самые) эту анимацию сглаживают, чтобы все выглядело естественно и без рывков. И наконец, третьи эту анимацию раскрашивают. Кроме всего этого, существуют также художники по эффектам. Они добавляют всякие искорки, звездочки и прочее. В результате после добавления фона получается почти готовый отрезок аниме.

За всем процессом следит арт-директор (режиссер анимации), который проверяет кадры, вносит правки, а иногда перерисовывает что-то целиком своими руками. Поэтому на эту должность назначают обычно одного из художников-аниматоров, с большим опытом.

Стоит отметить, что в последнее время жизнь аниматорам сильно облегчила трехмерная графика. Например, ее активно и очень плодотворно использует в своих работах Макото Синкай. Но все равно большая часть аниме рисуется до сих пор вручную.

Источник: https://hatoryfey.livejournal.com/36545.html

Японское искусство анимэ

Истоки аниме в древнем японском искусстве

Аниме получила всемирную известность как уникальный вид японской поп-культуры. Частично эта культура уходит корнями в манга, старые гравюры под названием укиё-э и повествовательные свитки с рисунками 12-го столетия. Как и аниме, все эти формы искусств передают рассказы в виде рисунков.

Манга развлекала японцев целые столетия. Один свиток с рисунками 12-го века, первый том “Тодзю Дзинбуцу Гига”, изображает животных, которые ведут себя подобно людям. Линии художника просты, а изображения утрированы, как в современной манга.

Эти древние манга-подобные рисунки были нарисованы от руки, но в эпоху Эдо (1603-1867 гг.) художники выработали технику гравюры на дереве для массового производства иллюстрированных книг и печатных изданий. Почти в середине эпохи Эдо, в 1720г., в Осака была опубликована книга гравюр.

Это была первая книга манга, изданная в коммерческих целях. Японцы получили комиксы первыми в Азии. Простые линии и преувеличенные выражения — это существенные элементы манга, а добавление эффектов к движению увеличивает экспрессивные ощущения.

Художники манга прежних поколений комбинировали эти три элемента, чтобы заложить фундамент для современных анимационных фильмов (аниме). На этих страницах показано, как они изображали движение.

Свитки с повествовательными рисунками (эмаки-моно)

Свиток с рисунком “Сигисан Энги Эмаки”, датированный серединой 12-го столетия, изображает динамичное движение. В одной сцене буддийский жрец Мёрэн заставляет волшебный горшок летать по воздуху и переносить рис из амбара богача на горную вершину. В другой сцене тюки риса вылетают из амбара.

“Бандайнагон Экотоба” (конец 1100-х годов) показывает главные ворота известного храма в огне. Выражения лиц толпы примерно из 100 человек, испуганных огнем или убегающих прочь, делает сцену жизненной и заставляет нас почувствовать себя словно бы среди них. Расположение рисунков справа налево также усиливает ощущение движения.

Сцена, на которой показаны тюки риса, возвращающиеся в дом богача (фрагмент свитка с рисунками, “Сигисан Энги Эмаки”). Свитки с рисунками ведут свое повествование справа налево.

Художник передает время и место—сначала идёт умиротворённая сцена, где жрец обучает маленькую девочку читать и писать, затем несколько чем-то встревоженных женщин, а потом тюки риса, чудесным образом спускающиеся с небес.

Теневые рисунки (кагэ-э)

С начала 1750-х годов (эпоха среднего Эдо) люди рассказывали сказки при помощи рисунков, вырезанных из бумаги. Картинки, изображающие людей, животных, мебель или еще что-нибудь, прикреплялись к кончикам пальцев рассказчика или к тонким бамбуковым палочкам, а затем подносились к свету так, чтобы от них падала тень. Картинки приводили в движение, чтобы развлекать зрителей.

Взросление с мультфильмами

Изобразительными эффектами и разнообразием сюжетов японских аниме восхищаются во всём мире. Один из них, “Sen to Chihiro no kamikakushi” (“Унесенные призраками”) завоевал Оскара как лучший полнометражный мультипликационный фильм на 75-й церемонии присуждения наград Академии в 2003 году.

Один за другим выпускаются новые аниме, а неизменно популярные сериалы мультфильмов идут на телевидении и 10, и 20, и даже 30 последних лет. Рейтинги популярности у них остаются высокими не только у детской аудитории, но и у их родителей. Один из этих легендарных сериалов — “Дораэмон”, о приключениях кота-робота, спасающем мальчика из переделок, в которые тот попадает.

Два другие сериала — “Сараэ-сан” и “Тиби Маруко-тян” — рассказывают о повседневной семейной жизни. А ещё есть новые аниме, продолжения комиксов манга для мальчиков. В двух хорошо известных, “Детектив Конан” и “Ину-Яся”, изображены похождения героев и их друзей. Они рассказывают о любви, дружбе и мужестве, классических темах почти всех японских аниме и манга.

Аниме, подобные этим, пользуются огромной популярностью в Японии, они дают детям и их родителям возможность провести время вместе.

Студия «Гибли» и Хаяо Миядзаки

Мультфильмы японского художника и режиссера Хаяо Миядзаки завоевали особую любовь российских зрителей, как маленьких, так и взрослых. Основанная им студия «Гибли» появилась в 1983 году, при создании аниме «Навсикая из долины Ветров» по мотивам одноимённой манги.

Студия была названа в честь итальянского разведывательного самолёта времён Второй мировой войны. Сам самолет был предназначен для Африки и назван по имени фёна в Ливии — горячего ветра из пустыни.

Хаяо Миядзаки, любитель авиации и Средиземноморья, а также поклонник творчества французского писателя и пилота Антуана де Сент-Экзюпери, погибшего в Сахаре, использовал это слово для названия своей студии. Девизом студии стала фраза: «Вдохнем свежее дыхание в мир японской анимации!».

Миядзаки создал большое количество аниме, среди которых — «Мой сосед Тоторо» (1988), «Принцесса Мононокэ» (1997), «Унесённые призраками» (2001), «Рыбка Поньо на утёсе» (2008). Работы Такахаты включают «Могилу светлячков» (1988), «Мои соседи Ямада» (1999). Кроме того, он продюсировал другие ленты.

Помимо работ Миядзаки и Такахаты следует отметить полнометражные фильмы Ёсифуми Кондо «Шёпот сердца» (1995), Томоми Мотидзуки «Волны океана» (1993), известный в США под названием «I Can Hear the Sea», а также Хироюки Мориту и его фильм «Возвращение кота» (2002).

«Навсикая из долины Ветров»
«Рыбка Поньо на утёсе» Широкую известность студии принесло аниме «Наш сосед Тоторо» и «Могила светлячков» 1988 года. Благодаря популярности персонажа Тоторо и продаже товаров под этой маркой, студия смогла покрыть затраты на производство новых лент, а Тоторо был выбран в качестве логотипа компании. «Studio Ghibli» была одной из первых японских фирм, начавших активно использовать в анимации компьютеры.
«Движущийся замок Хаула»
«Движущийся замок Хаула»
«Ведьмина служба доставки»

Музей студии «Гибли»

Музей находится в Митака, городе, расположенном немного западнее от центрального Токио. На входе в музей посетителей привестствует Тоторо, главный герой одноименного мультфильма.

На входе в музей есть вывеска со словами Миядзаки: “Когда вы входите в музей Гибли, вы попадаете в сказку, в которой вы — главный персонаж”. Внутри здания вы идёте по лабиринту в мире аниме, причем каждый экспонат таит в себе какой-нибудь сюрприз или открытие.

Откройте дверь — и, возможно, вы уставитесь на самого себя — или, по крайней мере, на свое отражение в зеркале. Персонажи аниме Джибли прячутся, ожидая удобного случая, чтобы внезапно выскочить. Ископаемые вымерших морских животных — трилобиты — прячутся среди камней.

Как и говорится на вывеске Миядзаки, в этом музее вы становитесь героем или героиней анимационной сказки.

«Мой сосед Тоторо» Одним из лучших экспонатов, по мнению детей, является огромный мягкий Кот-автобус на 2-м этаже. Детям с ним весело (и комфортно), они прыгают вверх-вниз, дёргают Кота за хвост, и вообще, делают всё, что захотят.Постоянные экспозиции включают в себя зал под названием «Место рождения фильма». Здесь вы увидите приспособления и материалы для создания анимационных фильмов, а также стол, заваленный наполовину готовыми рисунками. Идёт процесс создания аниме? В атмосфере ощущается напряжение, как будто режиссёр Миядзаки старается изо всех сил претворить какую-то задумку в кадр анимэ. В подвале, в кинотеатре “Сатурн” демонстрируются короткие оригинальные анимационные фильмы. Билеты в музей приобретаются по предварительному заказу. Ежедневный лимит посетителей 2400 человек, а одновременно в музее может находиться до 600 человек. Ограничение числа посетителей дает каждому из них возможность наиболее полно исследовать музей.

По материалам журнала «Ниппония» и сайта wikipedia.org/wiki/Ghibli

Дата публикации 09.04.2011

Источник: https://materinstvo.ru/art/7230

Ссылка на основную публикацию